著名DJ和电子音乐制作人杰米（Jamie）曾经跟许多大咖级音乐人包括阿德勒（Adele）、电台司令（Radiohead）以及奥拉维尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）一起合作。杰米选的是比利时19世纪画家提奥·梵-里斯尔伯格（Theo Van Rysselberghe）和他的点彩派画作“Coastal Scene”（1892），表现的是海岸风景。里斯尔伯格和法国点彩派开创者修拉同时期，被认为是一个重要的却受到艺术史忽视的画家。作为展览中唯一一件电子音乐作品，杰米没有令观众失望。他的音乐点亮了绘画，并赋予了画面全然一新的“节奏”。那些成千上万的蓝绿与白色相间的色彩点，好像在随着轻快跳动的节拍和脉冲信号而变幻，我们的感觉像是真的站在了海岸边，在清澈的天空下，看波浪搅动海面，空灵而迷幻。
克里斯·沃森（Chris Watson）是目前世界上最优秀的、专注于收录自然界和野生动物原始声音的录音师及音乐制作人之一。他的配乐代表作品包括获得BAFTA“最佳真实声音奖”的纪录片《生活》，还有英国BBC系列纪录片《冰冻星球》等。克里斯这次选了芬兰“灵魂画家”加伦·卡莱拉（Akseli Gallen-Kallela）的《凯泰莱湖》。在芬兰人眼中，毫不夸张地说，这位19世纪画家的作品构成了他们的民族身份以及“视觉集体记忆”。在展厅里，关注“自然音景”的克里斯用实地录音给我们带来了鸟鸣，微风飘过的声音，树的摇摆声。我们的耳朵跟着他的声音重新呼吸，暂时忘却城市噪音，重温久违的自然发声。
作曲家盖布瑞尔·雅德（Gabriel Yared）属于电影音乐大师级人物，是一批奥斯卡获奖影片的作曲者，包括《巴黎野玫瑰》（1986）、《英国病人》（1996）、《天才雷普利》（1999）和《冷山》（2003）。他选择的是塞尚和他那幅著名的《浴女》（约1894～1905），这也是英国国家美术馆在1964年购藏的第一件塞尚画作。如同他一贯的电影音乐风格，盖布瑞尔用他的作品创造了一个多面向的氛围：他在塞尚这幅理性的画作中注入了感性的声音，延长了我们在画面前驻留的时间。正如盖布瑞尔自己所说，他的音乐是想邀请观众，“开启他们的听觉，创造出属于自己的故事和阐释”。
珍妮特·加的夫（Janet Cardiff）和乔治·米勒（George Bures Miller），严格说来并非专业音乐人，而是目前国际知名的装置和声音艺术家。他们喜欢意大利15世纪画家安托内罗（Antonello da Messina）的名作《书房中的圣杰罗姆》（Saint Jerome in His Study）。他是意大利的法兰德斯画派，对色彩和光影的表现力被很多和他同时期的画家效仿，尤其对威尼斯画派影响较大。两位当代声音装置艺术家把原画等比例地实现为三维的建筑模型，肃穆的中世纪宗教音乐伴随着嘈杂的背景声，观众可以不时地听到鸟的鸣叫、马的嘶鸣、狗吠、雨声、脚步声……与现实中这个静穆而神秘的空间并置的，是画面上那个陷入沉思的教士，亦是“一个深入的关于画家与画面的对话”。
很显然，这不是一个关于音乐如何融合绘画、绘画如何提升音乐的展览。在这里，我感觉作为观众，听觉被最大化地鼓励开放;在这种双重维度的展览方式下，古老的经典绘画获得了一种新的呈现“空间”，听觉和视觉不止于交互，也彼此激发，产生了完全不同以往的审美体验。